Dieses lockere Bühnenvergnügen, ausgestattet mit Liedern, die Björn Ulvaeus und Benny Andersson, die kreativen Köpfe und männliche Hälfte der Popgruppe ABBA, in den 1980er-Jahren geschrieben hatten, erwies sich als eine angenehme Abwechslung und viel unterhaltsamer, als man es vielleicht erwartet hätte. 

Autorin Catherine Johnson orientierte sich bei der Handlungsfindung am 1968 erschienenen Film ‘Buona Sera, Mrs. Campbell’ mit Gina Lollobrigida als Italienerin, deren Affären mit drei amerikanischen G.I.s am Ende des Zweiten Weltkriegs dazu führten, dass sie ein vaterloses Kind bekam. Für ‘Mamma Mia!’ wurde das Setting auf die griechischen Inseln übertragen. 

Da es sich bei den Liedern um leicht verdauliche Popsongs handelte, waren sie inhaltlich nicht sonderlich anspruchsvoll und fügten sich gut in die Erzählung ein. Das Ergebnis war eine fröhliche Show, die sich selbst nie zu ernst nahm und mit ihren allseits bekannten Melodien nichts als einfach gute Unterhaltung bieten wollte. Das Musical brachte es denn auch auf beachtliche 5.765 Vorstellungen.

Als Musical hatten die ‘Jersey Boys’ den Vorteil, dass sie aus dem riesigen Song-Katalog der The Four Seasons schöpfen konnten, der so bekannte Hits wie “Sherry”, “Big girls don’t cry”, “Walk like a man”, “Candy girl”, “Let’s hang on (to what we’ve got)”, “Opus 17 (don’t you worry ‘bout me)”, “Can’t take my eyes off you”, “Fallen angel” und “Rag doll” enthielt – die meisten Lieder wurden von Bob Gaudio und Bob Crewe geschrieben.

Die gut konstruierte Handlung beschreibt detailliert die Ereignisse, die zur Gründung der Gruppe führten und wie sie über mehr als drei Jahrzehnte trotz vieler Veränderungen in der Popkultur überlebte. Anstatt diese Entwicklung aus dem Blickwinkel einer einzelnen Person zu erzählen, wie es in solchen Tribute-Musicals oft der Fall ist, kommentiert bei ‘Jersey Boys’ jeder der Charaktere die Handlung aus seiner eigenen Sicht, ohne jedoch den Aussagen der anderen zu widersprechen, was der Handlung zusätzlichen Zusammenhalt verlieh.

Das erste von Lin-Manuel Miranda geschriebene Musical ist ein Produkt des El Barrio (dem Viertel im oberen Manhattan, in dem Latinos aus Kuba, Puerto Rico und der Dominikanischen Republik unter Menschen mit ähnlichem sprachlichen und kulturellen Hintergrund Zuflucht finden). ‘In The Heights’ bot im Kern eine romantische Geschichte, die der problematischen Beziehung der Liebenden in ‘West Side Story’ nicht unähnlich ist (wenn auch mit weniger tragischen Folgen). 

Es brachte eine musikalische Sprache mit, die für den Broadway neu und ungewohnt war und die das traditionelle Theater um eine zusätzliche Ausdrucksform erweiterte. Und die 1.184 Aufführungen sind ein beeindruckendes Zeugnis für den Einfluss, den es auf eine neue Generation von Theaterbesuchern hatte. Seine Originalität sowie die explosive Darstellung machten ‘In The Heights’ zu einem mitreißenden Musical.

Basierend auf dem gleichnamigen Film von 1994, in dem es um drei Drag Queens aus Sydney geht, die auf dem Weg zu einem Engagement in der abgelegenen Stadt Alice Springs in einem pinken Bus den australischen Outback durchqueren, war als Bühnenmusical ein ausgelassenes Spektakel, das zu Recht 526 Vorstellungen lang auf dem Spielplan stand.

Alles in dieser Produktion war “over-the-top”, von den leicht anrüchigen Darbietungen der drei Hauptdarsteller über die Songauswahl, die aus einer Unmenge bekannter Disco-Nummern und populärer Hits bestand, bis hin zur ausgelassenen Regie von Simon Phillips.

In einer Saison, die etwas deprimierend begonnen hatte (die meisten Shows, die zuvor eröffnet hatten, waren inzwischen schon wieder abgesetzt worden), war ‘Priscilla, Queen Of The Desert’ wie ein frischer Luftzug – ein großes, kühnes, aufregendes Technicolor-Extravaganza, knallig, unzüchtig und einfach großartig!

Konzipiert und geschrieben von Trey Parker und Matt Stone, die vor allem für ihre Arbeit an der TV-Zeichentrickserie ‘South Park’ bekannt sind, sowie Robert Lopez, der ‘Avenue Q’ mitgeschrieben und konzipiert hat, konnte ‘The Book Of Mormon’ eigentlich gar nicht enttäuschen – und so war es auch nicht verwunderlich, das die Show 2004 mit dem Tony Award für das beste Musical ausgezeichnet wurde. Die Produktion war einnehmend, temperamentvoll und hatte in seinem Buch und in seinen Liedern genug, um fast jeden im Publikum zu beleidigen: Weiße, Schwarze, Amerikaner, Ugander, Katholiken, Juden und natürlich Mormonen – und das Ganze serviert mit einem Augenzwinkern.

Schelmisch und häufig amüsant, verließ sich die Show auf ihren rüpelhaften Humor, um das Publikum zu provozieren. Seit der Eröffnung am 24. März 2011 ist sie ein Dauerbrenner und sollte erneut auf dem Broadway-Spielplan stehen, wenn die Theater wieder öffnen.

‘A Gentleman's Guide To Love & Murder’ entstand in Anlehnung an den Gilbert-&-Sullivan-Stil. Die Handlung basiert auf einem Roman von Roy Horniman aus dem Jahr 1907, ‘Israel Rank: The Autobiography Of A Criminal’, der 1949 auch die Quelle für die schwarze Alec-Guinness-Komödie ‘Kind Hearts And Coronets’ war. Mit einem Buch von Robert L. Freedman, der auch die Songtexte schrieb, erzählt das Musical den Fall von Monty Navarro, einem britischen Verbrecher, der beschuldigt wird, den Earl of D'Ysquith ermordet zu haben, ein Verbrechen, das er vehement bestreitet, begangen zu haben.

Ein Großteil des Vergnügens kam von den Darbietungen der grandiosen Besetzung, die brillant von einem wahren Verwandlungskünstler namens Jefferson Mays angeführt wurde, der alle neun Mitglieder der D'Ysquith-Familie porträtierte, von denen jedes einzelne mit einem spezifischen Charakterzug ausgestattet war.

‘Aladdin’ ist ein weiterer Disney-Blockbuster, der erfolgreich von der Leinwand auf die Bühne, von der animierten in die reale Welt übertragen wurde und einmal mehr den magischen Touch der Disney-Techniker demonstriert.

Die von Casey Nicholaw inszenierte und choreografierte Show ist ein farbenfrohes visuelles Vergnügen, mit zahlreichen Tanzeinlagen und fesselnden Actionszenen, die die Aufmerksamkeit des Publikums auf sich ziehen. Aber das i-Tüpfelchen ist die fröhliche Musik von Alan Menken, Howard Ashman und Tim Rice, die aus bekannten Liedern und einigen ursprünglich für den Film geschriebenen, aber nicht verwendeten Liedern besteht. Dieses lebhafte, teuer aussehende Musical ist eine großartige physische Produktion, die ihre Laufzeit zweifellos fortsetzen wird.

Die Brüder Karey Kirkpatrick (Buch, Musik und Songtexte) und Wayne Kirkpatrick (Musik und Songtexte), beide Newcomer am Broadway, aber erfahren im Umgang mit Popsongs und Disney-Filmen, sowie der britische Schriftsteller und Drehbuchautor John O'Farrell waren die geistigen Väter dieses originellen Theaterstücks über zwei zweitklassige Dramatiker zu Shakespeares Zeiten, die ein Stück schreiben wollen, das den Barden von Avon beschämen wird, und sich deshalb von Nostradamus beraten lassen, der ihnen prompt vorschlägt, ein Musical zu schreiben.

Die Autoren haben die Story mit Wortspielen, Witzchen und zahlreichen Anspielungen auf frühere Theaterwerke gespickt, von ‘Hello, Dolly!’ über ‘Fiddler On The Roof’, ‘Sweet Charity’, ‘A Chorus Line’, ‘Annie’, ‘Cats’ bis hin zu ‘Les Misérables’ und vielen anderen. Shakespeare selbst wurde in goldene Lamé-Jacken gesteckt und führte sich wie ein aufgeblasener Rockstar auf. Das Sahnehäubchen waren aber die eingängigen Songs der Kirkpatricks mit Texten, die manchmal vorhersehbar waren, aber zum übermütigen Ton des Abends passten. Das fröhlich-freche Musical ‘Something Rotten!’ wurde 742 Mal aufgeführt.

‘Hamilton’, ein Blockbuster seit seiner Uraufführung im Jahr 2015, mit Buch, Musik und Texten von Lin-Manuel Miranda, zeichnet sich dadurch aus, dass es ein äußerst originelles Werk ist, das viele Barrieren durchbrach, noch bevor es den Broadway erreichte. Was das Musical so unverwechselbar macht und von anderen, traditionelleren Shows unterscheidet, ist die Tatsache, dass Miranda, inspiriert von Ron Chernows 2004 veröffentlichter Biografie ‘Alexander Hamilton’, sich dafür entschied, die Geschichte des ersten Finanzministers unter George Washington im heutigen Straßenjargon und in einer musikalischen Sprache zu erzählen, die ihre Kraft aus den Klängen bezieht, die in den am dichtesten bevölkerten Vierteln zu hören sind: Rap, Hip Hop, Boom Bap, R&B – alles Rhythmen und Reime, die am Broadway nur selten, wenn überhaupt, zu hören sind. Obwohl ikonoklastisch und historisch ungenau, schien es völlig angemessen für eine Show, die in erster Linie darauf abzielte, ihre Geschichte auf eine mitreißende Art und Weise zu erzählen.

Das Musical besetzt die historischen Persönlichkeiten, die alle weißhäutig waren, mit schwarzen, lateinamerikanischen oder asiatischen Darstellern – eine weitere Neuerung, die es als bahnbrechend erscheinen ließ. Ob ‘Hamilton’ langfristig die gleiche Wirkung wie ‘Oklahoma!’, ‘Company’ oder ‘Hair’ haben wird, die alle in ihrer jeweiligen Zeit das Musical-Genre entscheidend beeinflussten, bleibt abzuwarten. Aber eines ist jetzt schon sicher - es ist anders, unorthodox und es spricht ein breites Publikum an.

In einer Spielzeit, die bis dahin nicht sonderlich aufregend war, bot ‘Waitress’ eine willkommene Abwechslung. Basierend auf dem 2007 von Adrienne Shelly geschriebenen und inszenierten Film, mit eingängigen Songs von Sarah Bareilles, machte die Produktion auf den ersten Blick nicht den Eindruck, als könnte sie ein Hit werden, aber sie ist seit ihrer Premiere am 24. April 2016 ein Publikumsliebling geblieben und lief noch, als die Corona-Epidemie zuschlug. Vermutlich wird sie wieder geöffnet, wenn sich der Vorhang am Broadway wieder hebt.

Als überraschender Tony-Preisträger war ‘Come From Away’ ein fesselnder kanadischer Import, geschrieben (Buch, Musik und Texte) vom Ehepaar Irene Sankoff und David Hein. Aufgrund der Anschläge am 11. September 2001 durften internationale Flüge nicht in den USA landen und viele wurden in eine kleine Gemeinde in Neufundland (Kanada) umgeleitet, die mit den vielen gestrandeten ausländischen Passagiere völlig überfordert war.

Mit einer Partitur, die eine eingängige Sammlung von Liedern in volkstümlichem Stil enthielt, war das Musical ein Tribut an die Menschlichkeit und das Verständnis zwischen Menschen mit unterschiedlichem Hintergrund – ansprechend umgesetzt für ein breites Theaterpublikum. Auch diese Produktion dürfte nach der Wiedereröffnung des Broadways weiterlaufen.

Basierend auf einem wenig bekannten israelischen Film aus dem Jahr 2007 unter der Regie von Eran Kolirin berichtete ‘The Band's Visit’ über die Missgeschicke einer ägyptischen Musikgruppe auf einer Goodwill-Tournee, die aufgrund eines Schreibfehlers über Nacht in einem abgelegenen israelischen Dorf gestrandet war. 

Mit einem sensationellen Score von David Yazbek und herausragenden Starbesetzung angeführt von Tony Shalhoub (der den Fernsehfans vor allem für seine Darstellung des unbeholfenen Detektivs Adrian Monk bekannt ist), war der Einakter ‘The Band's Visit’ ein weiteres Wohlfühlmusical nach dem Vorbild von ‘Come From Away’, in dem menschliche Beziehungen mehr zählen als Vorurteile, um zu zeigen, dass alle Menschen unabhängig von ihrem religiösen oder politischen Hintergrund gleich geschaffen sind. Es warf ernste Fragen auf, aber es wurde auf so humorvolle Weise präsentiert, dass es als unterhaltsames Mini-Musical endete.

Ein brillantes, aber bedauerlicherweise nur kurzlebiges Musical, das es schaffte, eine Brücke zwischen der Bühne und seiner ursprünglichen Quelle, einer TV-Show für Kinder, zu schlagen – keine leichte Aufgabe. Klug konzipiert und inszeniert, griff das Musical den verrückten Geist der Fernsehserie auf und präsentierte ihre bekanntesten Charaktere, wobei die Darsteller sie direkt und ohne Artefakte spielten, was sie um so lustiger machte. 

Die Partitur bestand aus Liedern, die für diesen Anlass von einigen der bekanntesten Namen der heutigen Musikindustrie geschrieben wurden: David Bowie, Cyndi Lauper, Sarah Bareilles, John Legend, Lady Antebellum, Yolanda Adams, The Flaming Lips, They Might Be Giants sowie Steven Tyler und Joe Perry von Aerosmith, um nur einige zu nennen. Das Ergebnis überzeugte auf ganzer Linie und trotz der vielen Komponisten klang die Partitur einheitlich und wie aus einem Guss.

Ein Musical für die LGBT-Generation, inspiriert von einer Pastoralromanze aus dem 16. Jahrhundert, ‘The Countess Of Pembroke's Arcadia’, geschrieben von einem prominenten elisabethanischen Dichter, Sir Philip Sidney, die 1640 von James Shirley als Bühnenstück adaptiert und nun von zwei zeitgenössischen Autoren, James Magruder und Jeff Whitty, zum Buch ihres Musicals ‘Head Over Heels’ gemacht worden war.

Lüstern und schlüpfrig wie ein Theaterstück der Renaissance, dazu komisch und unterhaltsam, blieb ‘Head Over Heels’ seinen Quellen treu, mit Dialogen, Tiraden und Schlagfertigkeiten in “ye olde” Englisch, die aber dennoch leicht zu verstehen waren. Die Geschichte eines Königs, der versucht, vier bösen Vorzeichen zu entkommen, die seiner Herrschaft ein Ende bereiten werden, und der mit seiner Frau, ihren beiden Töchtern, einem Vizekönig, der Tochter des Vizekönigs und einem einsamen Schäfer, der in die jüngste der Königstöchter verliebt ist, flieht, offenbart mit seinen sexuellen Anspielungen und dem durchgehend zur Schau gestellten Cross-Dressing eine liberale Haltung, die erfrischend ist. Die verschiedenen Musiknummern entstammten dem Songkatalog von The Go-Go's, einer temperamentvollen weiblichen Rockband, die in Kalifornien in den frühen 1980er-Jahren die Pop-Charts stürmte. Überraschenderweise war das Ergebnis ausgesprochen erfreulich.

‘The Prom’, geschrieben von Bob Martin und Chad Beguelin nach einem Originalkonzept von Jack Viertel, lebte nicht zuletzt von den großartigen Songs von Matthew Sklar (Musik) und Herrn Beguelin (Songtexte). 

Die Handlung erzählte die Missgeschicke von vier unfähigen Schauspielern, die arbeitslos wurden, weil die letzte Show, in der sie auftraten, so schlechte Kritiken erhielt, dass sie noch am Eröffnungstag geschlossen wurde. Sie beschließen, sich für eine gute Sache einzusetzen und ein junges lesbisches Mädchen in einer kleinen Gemeinde zu retten, das sich online beschwerte, dass sie nicht mit ihrer Freundin am Abschlussball am Schuljahresende teilnehmen konnte, weil ihre Mutter, die Organisatorin der Veranstaltung, strenge Regeln aufgestellt hatte, die “junge Damen mit freizügigen Kleidern und gleichgeschlechtliche Paare” ausschlossen”.

‘The Prom’ war sowohl eine Feier der Homosexualität als auch eine wahnsinnige Bestätigung der Individualität. Es war eine wilde Tollerei, bei der die vier erbärmlichen Schauspieler alle falschen Knöpfe drückten, aber am Ende doch noch erfolgreich waren. Da sie während des gesamten Abends auf ihre herbe Art Theaterpersönlichkeiten und andere Broadway-Musicals augenzwinkernden aufs Korn nehmen konnten, war die Show urkomisch – und so brachte sie es auf immerhin 905 Vorstellungen.

Das Jukebox-Musical ‘Ain't Too Proud – The Life And Times Of The Temptations’ lief noch, als das Coronavirus den Broadway traf. Das Buch von Dominique Morisseau, das auf den Memoiren von Otis Williams aus dem Jahr 1988 basiert und bis zu einem gewissen Grad wahrheitsgetreu und ehrlich klingt, geht auf alle wichtigen Stationen des Erfolgsweges von The Temptations ein, von ihrem bescheidenen Debüt in Detroit bis hin zur “Nummer Eins in der Geschichte des Rhythm and Blues” und beschreibt sowohl die Höhen als auch die Tiefen ihrer Karriere, manchmal auch mit drastischer Sprache, um einen Hauch von Authentizität zu vermitteln. 

Was die Lieder betrifft, so ist das Repertoire der Gruppe bekannt und attraktiv genug, um das Publikum auf den Beinen zu halten, vor allem, wenn die Darbietungen, wie es der Fall war, sehr theaterwirksam präsentiert werden.

Kathleen Marshall stand auch an der Spitze dieses Cole-Porter-Revivals, mit einer überschwänglichen Sutton Foster in der Hauptrolle, einer der besten Musical-Darstellerinnen der jüngsten Vergangenheit. Als unbezähmbare Reno Sweeney tat sie das, was sie am besten kann: Schauspielern, singen, steppen und die ganze Zeit über ihr strahlendes, charakteristisches Lächeln und ihre einnehmende Persönlichkeit zeigen. Marshalls spritzige Regie und Choreografie bildeten das Sahnehäubchen – Cole Porter hätte es geliebt!

Bei Shows mit Musik aus den unerschöpflichen Partituren von George und Ira Gershwin kann man eigentlich nichts falsch machen: ‘Nice Work …’, das am 24. April 2012 eröffnete, war reine Unterhaltung um seiner selbst willen, ein unbedeutendes Musical, das locker um ein ebenso fadenscheiniges wie unrealistisches Buch von Joe DiPietro (Autor von ‘Memphis’) gebaut war. Der bediente sich großzügig an Ideen aus ‘Oh, Kay!’ von Guy Bolton und P.G. Wodehouse, zwei häufigen Mitarbeitern der Gershwins, und Liedern, die zum größten Teil im kollektiven Gedächtnis vieler Theaterliebhaber verankert sind, wie “Someone to watch over me”, “Let's call the whole thing off”, “Do it again” oder “Lady be good”.

An der unsinnigen Geschichte waren drei Schmuggler beteiligt (natürlich spielte die Handlung in den 1930er-Jahren, als die Prohibition den amerikanischen Kontinent ausgetrocknet hatte), ein wohlhabender Playboy, Jimmy Winter, seine zukünftige Ehefrau (die vierte), ihre Verwandten und verschiedene andere Personen. Das Buch war gespickt mit schlagfertigen Wortspielen, zweideutigen Anspielungen, Double-Takes und anderen aus der Burleske entlehnten Mitteln. 

Kathleen Marshalls einfallsreiche (und manchmal urkomisch verrückte) Regie und Choreografie sorgten den ganzen Abend über für ausgelassene Stimmung, wobei die Handlung durch mehrere Ballette unterbrochen wurde, die exquisit getimt waren, auch wenn sie keinen anderen Grund hatten, als dem Publikum ein paar atemberaubende Stepptanz-Nummern zu bieten.

Im Laufe der Jahre wurde dieses wichtige Werk mehrmals wiederbelebt (1971 und 1998), aber keines dieser Revivals strahlte eine derart überbordende jugendliche Unbekümmertheit aus wie diese neue Produktion. 

Vielleicht lag das daran, dass zu keinem Moment versucht wurde, das ursprüngliche Konzept zu manipulieren oder die Geschichte von den drei Matrosen, die 1944 vor ihrer Verschiffung an die Kriegsfront im Pazifik einen Tagesurlaub in New York machten, zu aktualisieren. Infolgedessen behielt das Buch – vollgepackt mit einer ernsthaften Dosis lustiger Begebenheiten, humorvoller Charaktere und spritziger Einzeiler – die Frische und Spontaneität bei, die sich seine ursprünglichen Schöpfer (Leonard Bernstein, Betty Comden, Adolph Green und Jerome Robbins) vorgestellt hatten. Während die Situationen, in die die drei Matrosen gerieten, manchmal etwas unrealistisch erschienen, sorgten die verrückte Toxizität der Handlung und die oftmals verrückten Charaktere, denen sie begegneten, für den nötigen Schwung, der von diesem geglückten Revival perfekt eingefangen wurde.

Die verschiedenen Jukebox-Musicals, die in den letzten Jahren den Broadway erobert haben (‘The Cher Show’, ‘Summer – The Donna Summer Musical’), waren primär abgedroschene, banale Hommagen an den früheren Ruhm eines Popstars. Eine Ausnahme war ‘Tina - The Tina Turner Musical’ mit Adrienne Warren in der Titelrolle, deren außergewöhnliche Bühnenpräsenz dem Menschen und der Sängerin Tina Turner absolute Glaubwürdigkeit verlieh. Wie alle anderen Produktionen, die zuletzt in der vergangenen Spielzeit am Broadway zu sehen waren, wurde das Musical aufgrund des Coronavirus unterbrochen. Es ist zu hoffen, dass es zurückkehrt und Adrienne Warren mit ihm, wenn die Aktivitäten im Theaterbezirk wieder aufgenommen werden, und dass sie einen wohlverdienten Tony für ihre Leistung gewinnen wird.